Théâtre : les jours d'après (la construction)

Ça promet …

Citation :

Le théâtre a mal à ses ressources humaines
Alors que les conflits se multiplient entre les directions et les équipes des théâtres, se livre en coulisse un combat à couteaux tirés entre la liberté de création et le droit du travail.
L. Carpentier, le 26.12.2019

« On a été et on est toujours naïfs et romantiques. On pensait qu’une direction du théâtre devait être une direction artistique. » Marie-José Malis, nommée en 2014 à la tête du Théâtre La Commune, à Aubervilliers, déchante. Le combat qui l’oppose depuis plus d’un an à la chef de la billetterie, déléguée syndicale, et une partie de l’équipe nommée par son prédécesseur, Didier Bezace, n’en finit pas de plomber l’ambiance. « Là-dessus, il faut le dire, on n’a pas été très bons. On vient des compagnies. Habitués au bricolage, on s’est pris un effet de réel », convient la metteuse en scène.
De Béthune à Dijon, metteurs en scène remarqués, ils ont débarqué dans les Centres dramatiques nationaux (consacrés à la création théâtrale) en pensant toucher le Graal : un lieu et des moyens pour faire exister leur travail à grande échelle au service du plus grand nombre ! Ils ont découvert des entreprises lourdes à manœuvrer, à l’outil souvent obsolète ou à rénover, et aux subventions en berne. Après Rodrigo Garcia à Montpellier, c’est Philippe Quesne qui a jeté l’éponge, annonçant en juillet son départ de Nanterre pour la fin de l’an prochain.

Résultat, à Aubervilliers comme partout, les avocats en droit du travail, les consultants en ressources humaines et les maisons d’audit (Technologia, La Belle Ouvrage, PK Consultants) sont désormais sur le devant de la scène… Un marché qu’on n’imaginait pas hier. Psychologues, médiateurs, cursus et plates-formes de formation font désormais partie du paysage. « En bout de chaîne, c’est autant d’argent que les artistes n’auront pas », soupire la directrice de théâtre épuisée. La formule est dans l’air du temps : « souffrance au travail » à tous les étages.
Micha Ferrier-Barbut est consultante en management. Présidente de l’association Le Pacifique, le centre de développement chorégraphique national de Grenoble, elle a codirigé en 2017 un petit opus qui a fait débat dans le milieu, La Gestion des ressources humaines dans le secteur culturel (Territorial éditions). « C’est un secteur pour qui le capital humain est longtemps resté un impensé, explique-t-elle. Ces structures se sont construites sur une sorte de militance – laquelle est de moins en moins vraie –, avec des formes d’organisation très hiérarchisées. Pas toujours nommées d’ailleurs, mais des hiérarchies symboliques très élevées. »

Se livre ainsi en coulisse un combat à couteaux tirés entre la liberté de création et le droit du travail. D’un côté, des artistes patrons défendant la révolution permanente sur le plateau, apanage de l’art, dont la mission est de faire bouger les lignes et d’interroger les marges. De l’autre, des salariés, politisés, cultivés – plus que la moyenne des actifs –, aspirant à une forme de réalisation personnelle, où l’attachement à ces structures implique « une gestion particulière, comme le suggère un consultant. Au risque de voir l’émotivité transformer le conflit social en des clivages de personnes ». Et, pour couronner le tout, derrière l’ensemble, les fantômes très actifs des « hiérarchies symboliques » antérieures – qui, aux temps bénis des vaches grasses, ont pu acheter la paix sociale facilement.

« Des logiques opposées »
« C’est plus facile quand tu as un chéquier, quand l’argent des tutelles est là. Aujourd’hui, tu arrives, tu ne connais rien de la situation, il n’y a aucun système de passation, de tuilage, d’évaluation, prévu… Si tu ne fais pas une dépression nerveuse dans les deux premières années, tu as de la chance », confie le directeur inquiet d’un de ces théâtres, découvrant en marchant les bons vieux acronymes qu’on apprenait autrefois dans les manuels de ressources humaines – le GVT : le glissement vieillissement technicité (le salarié qui vieillit, gagne en savoir-faire et coûte de plus en plus cher), les chartes QVT (qualité de vie au travail), la NAO (négociation annuelle sur les salaires)…
../..

Citation :

../..
Dans les cinq grands théâtres nationaux aux équipes imposantes (Odéon, Chaillot, La Colline, la Comédie-Française et le TNS à Strasbourg), il y a longtemps que le sujet est maîtrisé. « C’est notre travail de concilier des logiques opposées mais tout aussi légitimes : la compagnie qui est de passage avec une envie de tout bousculer. Et l’équipe du théâtre qui va rester là des années », dit Bethânia Gaschet, l’administratrice de l’Odéon (131 équivalents temps plein, 18 millions € de budget). Kim Pham, son homologue à la Comédie-Française, est énarque et rompue au dialogue social. Numéro deux du metteur en scène Stéphane Braunschweig, cette normalienne a passé cinq ans au ministère du travail. La captation vidéo des spectacles ? Négociation. Travail de nuit pour la livraison d’un décor ? Négociation. Un metteur en scène hésitant qui fait faire et défaire ? Négociation.

En 20 ans, la subvention au spectacle vivant a baissé, à mesure que la masse salariale augmentait
La DRH superstar ? Facile pour les poids lourds aux budgets ad hoc. Mais 93 % des 21 500 entreprises du secteur du spectacle vivant comptent moins de onze salariés (« Il est clair qu’on ne va pas mettre un directeur des ressources humaines dans une boîte où il y a cinq personnes », fait remarquer dans un sourire la consultante Micha Ferrier-Barbut. Restent les théâtres de taille moyenne, comme les CDN, qui, à l’heure de la raréfaction des crédits publics, n’ont ni les moyens de se les offrir ni ceux de s’en passer.
« Professionnalisation ! », affirment les uns. « Institutionnalisation, bureaucratisation ! », clament les autres. Au milieu, le ministère reste silencieux. Faute de stratégie ? Faute de courage politique ? En 20 ans, la subvention au spectacle vivant a baissé (dans la plupart des maisons, les sommes n’ont pas été réévaluées depuis 15 ans), à mesure que le nombre de salariés augmentait (+ 140 % depuis 2000, soit environ 250 000 personnes concernées aujourd’hui, qu’ils soient titulaires ou intermittents). Comment faire ? Donner à ces théâtres les moyens de vivre selon le modèle établi ou dire qu’il y en a trop et redistribuer la manne financière ? Questions iconoclastes que d’aucuns se posent tout bas. « De tout ça, on en a conscience, au ministère, glisse un ancien de la Rue de Valois. Les CDN et les scènes nationales, c’est comme un aquarium foisonnant. Dont ils vident l’eau. Et ils regardent ce qui va se passer. Qui va survivre ? Les gros ? Les petits ? »

Vers de nouveaux concepts
« Trop de théâtre ? Je récuse ce genre de propos », s’insurge Jack Lang, l’homme qui fut, avec la manne culturelle des années Mitterrand, à l’origine de ce qui était hier une solution, et aujourd’hui peut-être un problème – il en convient lui-même : « En 1981, quand j’ai décidé de faire sauter le système des Maisons de la culture, qu’en son temps j’avais trouvé ingénieux, j’ai beaucoup pensé à Jeanne Laurent. Cette femme qui n’avait que le titre de sous-directrice est le plus grand ministre de la culture que la France ait connu. Sa hantise était que les théâtres deviennent des institutions bureaucratiques. Pour elle, les CDN, qu’elle a créés, c’était : un chef de troupe et basta ! Des Maisons de la culture, elle disait : “Ces institutions, c’est une catastrophe. Vous verrez qu’elles vont se nourrir d’elles-mêmes et finiront par ne plus rien produire, enfermées qu’elles seront sur elles-mêmes.” A l’époque, il fallait que ces organismes se métamorphosent ou disparaissent. » De là à dresser un parallèle avec la situation actuelle, il n’y a que l’épaisseur d’un sous-entendu…

Ainsi voit-on des Caroline Guiela Nguyen, des Julien Gosselin, des Sylvain Creuzevault, prendre petit à petit la tangente vers des « tiers-lieux », des « fabriques »… A nouvelle époque, nouveaux concepts. « Forcément. Pourquoi s’embêter avec des théâtres où c’est compliqué et où les artistes n’arrivent pas à faire la différence? », s’inquiète Marie-José Malis, qui vient de quitter la présidence du Syndeac, le syndicat qui regroupe les dirigeants du secteur culturel.
« Ce n’est pas la bonne façon de considérer le problème », suggère Benoît Lambert, qui dirige le Théâtre Dijon Bourgogne. Lui aussi a eu droit il y a quelque temps à sa grogne sociale – et à son audit – face à l’augmentation des tournées et de la charge de travail. « Je ne nie pas qu’il existe une confrontation entre une éthique des métiers et une éthique de la création, mais je dirais qu’elle est secondaire. Au fond, ce à quoi on assiste, c’est une démonétisation symbolique de nos maisons. Et pour nous tous, qui travaillons dans les théâtres : un même sentiment d’abandon. Après, c’est la complexité de ces lieux…

https://www.lemonde.fr/culture/article/2019/12/26/le-theatre-a-mal-a-ses-ressources-humaines_6024097_3246.html

On peut aussi rappeler la triste histoire du théâtre de la Villette à Paris :
http://www.plateaufontenay.net/t868-theatre-de-la-villette-la-mairie-de-paris-a-choisi-de-sacrifier-un-lieu-de-creation

Même pour mettre en scène des pièces qui dénoncent l'argent et l'excès de consommation, il faut des sous ...

"On va se démerder sans toi pour faire de ce pays un territoire où l'on peut encore, malgré la crise, (...) faire des films et monter des spectacles grâce à des subventions obtenues en prélevant l'impôt", souligne Philippe Torreton.
https://www.lemonde.fr/societe/article/2012/12/18/violente-charge-de-l-acteur-philippe-torreton-contre-gerard-depardieu-dans-liberation_1807689_3224.html

Eh oui, pour Philippe Torreton, même en temps de crise l'essentiel c'est de subventionner des spectacles par l'impôt. Si le peuple a faim, donnons-lui des jeux ?
Il ne vient pas à l'idée du grand homme que le succès public aussi permet de financer des spectacles. Mais ça, pour lui c'est surement trop "commercial" ...
Pour ce qui est de la distribution des subventions, quel comité suprème est légitime ? Pour ce qui est des César, la contestation est devenue forte contre l'opacité de la procédure.

Subventions annuelles pour le théâtre de Fontenay : à prévoir bien garnies, d'après cette intéressante étude sur les préférences culturelles des populations selon l'âge

Une consommation culturelle fracturée
Par Michel Guerrin et Guillaume Fraissard, publié le 10.07.2020
Jamais les Français n’ont autant « consommé » de culture, selon une vaste étude diffusée vendredi, mais deux mondes se côtoient sans vraiment se croiser, celui du patrimonial et celui du numérique.

Cette étude marque une date. Une rupture aussi. Pendant près d’un an, des sociologues du ministère de la culture ont interrogé 9 200 Français âgés de 15 ans et plus sur leurs pratiques culturelles.
Le ministère de la culture réalise cette étude tous les dix ans environ. La première date de 1973. Celle de 2020 peut être appréciée de deux façons. D’un côté, jamais les Français n’ont autant « consommé » de culture, quels que soient leur âge, leur statut social et le lieu où ils habitent. Mais jamais la fracture n’a été aussi forte entre la culture classique ou patrimoniale, que Pierre Bourdieu nommait « légitime » (lecture, théâtre, musique classique, musées, cinéma), et la culture numérique liée à Internet, la musique notamment, mais aussi la vidéo en ligne. Une fracture qui recoupe en partie celle entre la culture de sortie et la culture de salon.

Surtout, ces deux mondes ne connaissent pas la même dynamique. La culture classique ou patrimoniale, selon les arts, voit son audience baisser, stagner ou augmenter parfois. Le plus souvent son public vieillit, habite dans les villes et appartient à des milieux sociaux aisés ou diplômés. Les femmes sont aussi plus nombreuses que les hommes. Pour ne prendre qu’un exemple, dans les années 1970, les 15-24 ans ayant assisté à un spectacle de théâtre ou à un concert de musique dans l’année étaient en moyenne trois fois plus nombreux que les 60 ans et plus. L’écart a presque disparu en 2018 : les jeunes sont moins nombreux, remplacés par les plus âgés.
(..)
Le théâtre et la danse tiennent grâce aux plus âgés
Le théâtre et la danse tiennent grâce aux plus âgés Le théâtre et la danse sont deux pratiques en continuel développement depuis 1973 – de 12 % à 21 % pour le théâtre – à mesure que les équipements ont « poussé » sur l’ensemble du territoire. Mais les 15-28 ans d’aujourd’hui y vont moins que ceux des générations précédentes, alors que ceux qui ont plus de 50 ans y vont plus. Ce constat est lié à l’émergence, en 2018, du « tout numérique », qui se caractérise par un recul généralisé des pratiques de sortie.
Les spectateurs du théâtre sont plus homogènes qu’auparavant en termes de territoire et de milieu social, même si les urbains diplômés dominent encore. Fait notable dans cette hausse de la fréquentation, les trois quarts des 25-39 ans ont uniquement vu en 2018 un one-man-show, un spectacle d’improvisation ou de café-théâtre.
(..)
https://www.lemonde.fr/culture/article/2020/07/10/une-consommation-culturelle-fracturee_6045777_3246.html

Alfortville : après la crise sanitaire, 22 compagnies de théâtre déprogrammées
Les professionnels ont été informés au cœur de l’été qu’ils ne pourraient pas se produire au Poc. La scène travaille à une indemnisation.
Par Agnès Vives, le 21 septembre 2020

La saison reprend au Poc. Et elle pique un peu les professionnels du monde du spectacle. La scène municipale d'Alfortville, contrainte à la fermeture depuis la crise sanitaire, rouvre sa billetterie ce mardi. Mais à l'affiche de cette demi-saison établie jusqu'en décembre, une vingtaine de représentations. Mais point de théâtre. Alors qu'avant son départ, l'ancienne directrice de la scène municipale avait prévu 22 compagnies.
(..)
https://www.leparisien.fr/val-de-marne-94/alfortville-apres-la-crise-sanitaire-22-compagnies-de-theatre-deprogrammees-21-09-2020-8388912.php

Le théâtre de Fontenay est en construction, il y aura surement des troupes, mais pour quel public ?

Le vieillissement du public culturel
Le Monde, 28.01.2022
Théâtre et culture : la priorité du ministère de la culture est d’attirer en ces lieux les gens d’origine modeste qui n’y vont pas. Or la question du vieillissement du public est presque plus grave : que les lieux culturels soient dominés par les gens aisés est problématique mais au moins ces derniers se reproduisent, alors que les seniors meurent et ne sont pas remplacés – si, à 18 ans, on ne va pas au spectacle, on ne le fera pas à 60 ans.

Ce vieillissement du public est pourtant repéré. Selon plusieurs études, l’âge médian au concert classique est passé de 36 ans en 1981, à 52 ans en 2008, à 61 ans aujourd’hui. La Philharmonie de Paris, en multipliant les actions depuis 2015, a un peu corrigé le tir mais la tendance de fond est là. C’est vrai aussi pour les musées, les théâtres ou les librairies, si on met de côté le public des scolaires (contraint de venir).
Même le cinéma, surtout français et d’art et essai, est tombé dans le camp des seniors. Entre 2010 et 2019, les salles ont perdu 19 millions de spectateurs de 11 à 24 ans, remplacés par 20 millions de 50 ans et plus. Les moins de 25 ans ne forment que 28 % du public des films français et 43 % des films américains.

Personne, dans la culture, ne voit comment stopper le vieillissement du public. Ou plutôt tout le monde dénonce l’explosion de l’offre numérique sur les écrans domestiques dont les jeunes sont quasiment tous accros. Ce lien est sans doute juste, sauf que le vieillissement du public culturel a commencé bien avant l’arrivée du numérique.